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  • ESCULTURA EM PEDRA COM FEITIO DE DRAGÃO TRAZENDO SUAS CRIAS AS COSTAS. CHINA, ÉPOCA INDETERMINADA. EXCEPCIONAL QUALIDADE ESCULTÓRICA. 18 CM DE COMPRIMENTONOTA: Os dragões aparecem na mitologia de muitas culturas antigas, mas em nenhum outro lugar do mundo a criatura era tão reverenciada como na China . Lá, em marcante contraste com outras mitologias mundiais, o dragão quase sempre foi visto de uma maneira positiva e particularmente associado a chuvas vitais e fontes de água. Considerado o signo do ano mais auspicioso, usado nas vestes dos imperadores, representado nos materiais mais preciosos, desde joias de ouro a estatuetas de jade, e com inúmeras referências na literatura e nas artes cênicas, o dragão estava em toda parte na China antiga e parece tão grande hoje na psique chinesa como sempre. Uma das primeiras criaturas a aparecer nos contos e lendas da China antiga, o dragão é mais frequentemente descrito como uma besta gigante e ágil que mora em fontes de água ou nuvens. O dragão chinês é extraordinariamente poderoso e, quando voa, geralmente é acompanhado por raios e trovões. Não se sabe quando, por quem e em que realidade o dragão foi inventado pela primeira vez, embora alguns historiadores sugiram uma ligação com arco-íris e uma 'serpente do céu' que é vista após pancadas de chuva ou em cachoeiras. Dragões de jade esculpidos foram escavados em locais da cultura Hongshan , que pode ser datada de 4500-3000 aC, muito antes de qualquer registro escrito da criatura aparecer. Apesar do aspecto temível do dragão, ele geralmente não era visto como o monstro mal-intencionado que habita os mitos de outras culturas ao redor do mundo, onde normalmente é morto por uma figura de herói corajoso. Na verdade, na China, o dragão era e é considerado uma criatura justa e benevolente. É por esta razão que eles se tornaram associados ao governo e especialmente aos imperadores da China que, na qualidade de detentores do Mandato do Céu e como representantes de Deus na terra, devem sempre governar de maneira justa e imparcial para o bem de todos seus assuntos. Outra razão pela qual os governantes deveriam imitar os dragões é que a criatura era considerada um dos quatro animais mais inteligentes (junto com a fênix, o unicórnio e a tartaruga). Um famoso mito fala de um dragão ajudando ativamente um governante, Yu, o Grande (c. 2070 aC), o lendário fundador da dinastia Xia , que foi ajudado por um dragão (ou na verdade era um dragão) e uma tartaruga para controlar as águas do dilúvio que estavam devastando seu reino e, assim, controlá-los em um sistema de irrigação melhor. A população, em geral, considerava o dragão um símbolo de sorte e portador de riqueza. Além disso, os antigos fazendeiros pensavam que os dragões traziam as tão necessárias chuvas e água para ajudar em suas colheitas. Os dragões também foram considerados responsáveis por ventos fortes, tempestades de granizo, trovões, relâmpagos e tornados - os últimos ainda são conhecidos hoje como 'redemoinho do dragão' ou longo juan feng . Também é interessante notar que muitas das primeiras representações de dragões em jade são circulares.Nas comunidades rurais, havia uma dança do dragão para induzir a generosidade da criatura ao distribuir chuva e uma procissão onde uma grande figura de um dragão feita de papel ou tecido espalhada sobre uma moldura de madeira era carregada. Alternativamente, pequenos dragões eram feitos de cerâmica ou estandartes eram carregados com a representação de um dragão e orações escritas pedindo chuva. Os assistentes seguiam a procissão carregando baldes de água e, usando galhos de salgueiro, espirravam nos espectadores e gritavam Aí vem a chuva!. Quando parecia que uma seca era iminente, outro apelo para a chuva era desenhar dragões pendurados do lado de fora de casa. As procissões dançantes também tinham outro propósito útil, que era evitar doenças e enfermidades, especialmente em tempos de epidemias. A dança do dragão tornou-se parte dos festivais rurais e passou a ser intimamente associada às celebrações do Ano Novo Chinês. A ligação entre dragões e chuva, dança e cura pode derivar do xamanismo, comumente praticado na China antiga. O dragão também passou a ter um certo significado em algumas das religiões chinesas mais formais. Nas pinturas do Budismo Chan , um dragão aparecendo por trás das nuvens era um símbolo da verdade e das dificuldades em vê-lo claramente. Para os taoístas, o dragão era ainda mais importante e representava a força onipresente central conhecida como 'Caminho Central' ou Tao. Os quatro reis dragões dos Quatro Mares também foram adotados pelos taoístas. Por fim, o dragão é o quinto signo do zodíaco chinês ou shengxiao e está associado a um dos 12 anos do ciclo do calendário, sendo o "ano do dragão" mais recente de janeiro de 2012 a fevereiro de 2013.
  • GRANDE PAR DE PINHAS (BOULE DESCALIERS ) EM CRISTAL DOUBLE COUCHE EM CEREJA E TRANSLÚCIDO COM LAPIDAÇÃO GEOMÉTRICA. ASSENTES SOBRE BASE EM BRONZE. FRANÇA, SEC. XIX/XX. 26CM DE ALTURANOTA: Boule DEscalier ou bolas de escada começaram a ser fabricas em cristal pela manufatura SAINT LOUIS em 1845. Além do aspecto ornamental, elas tinham uma razão prática para existir: a conveniência de ocultar intersecção do corrimão no balaústre na base da escada. A manufatura de BACCARAT começou logo a seguir em 1846. Seguiu-lhes a manufatura de CLICHY (1849). A Whiterfriars Manufactory (Reino Unido) começou um pouco atrasada e não lançou as primeiras bolas de vidro até 1855. Inicialmente elas eram em blocos de cristal maciço (e logo depois passaram a ser ocadas). As Grandes cristalleries francesas como Baccarat e Saint-Louis produziram verdadeiras obras de arte cujas facetas capturavam a iridescência azulada da iluminação a gás. Em seguida, a bola foi adornada à maneira do cristal da boêmia, alternando a transparência das peças lapidas com as áreas planas do vidro colorido. Assim o artesão criava efeitos de luz a partir de formas geométricas sob uma segunda camada de cristais coloridos colocados na superfície: técnica chamada de "sobreposição". Das escadas, as Boule DEscaliers passaram a adornar as salas dos colecionadores que reúnem modelos e cores diferentes o que as torna encantadoras e decorativas.
  • ROBUSTO PAR DE CASTIÇAIS EM PRATA DE LEI DITOS DE GARRA E BOLA. LINDA DECORAÇÃO COM FLORES E RAMAGENS RELEVADAS. FUSTE EM BALAUSTRE. BOBECHE DECORADA COM FLORES DE ACANTO. PES GUARNECIDOS POR FOLHAS DE ACANTO DESTACADAS FINALIZANDO EM CAPRICHADAS GARRAS SOBRE BOLAS. BRASIL, SEC. XIX. 26 CM DE ALTURA. 1252 G
  • VITOR VAZARELY ZEBRAS (CORPO INTEIRO- SERIGRAFIA EM PAPEL TECIDO COM ASSINATURA DA PRÓPRIA CHAPA. ESSA OBRA É CONSIDERADA A PRIMEIRA OBRA DE VALARELY EM OP ART CRIADA NA DECADA DE 1930. O TERMO OP ART VEM DO INGLÊS OPTICAL ART, E SIGNIFICA ARTE ÓPTICA. UMA DAS PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DAS OBRAS ARTÍSTICAS DESSE MOVIMENTO É O EFEITO DE ILUSÃO DE ÓTICA CRIADO PELA PEÇAS QUE BRINCAM COM O OLHAR DO ESPECTADOR, TRAZENDO DIVERSAS PERSPECTIVAS. O HÚNGARO VICTOR VASARELY É CONSIDERADO UM DOS GRANDES REPRESENTANTES DA OP ART NO MUNDO E SUAS OBRAS SE DESTACARAM NOS ANOS 1930. O ARTISTA FOI INFLUENCIADO PELA ARTE CINÉTICA, CONSTRUTIVISTA E ABSTRATA E PELO MOVIMENTO DE BAUHAUS. SUA OBRA A ZEBRA (1938) É COMPOSTA INTEIRAMENTE POR LISTRAS DIAGONAIS EM PRETO E BRANCO E CURVADAS DE TAL MODO QUE DÃO A IMPRESSÃO TRIDIMENSIONAL DE SER UMA ZEBRA SENTADA. UMA ARTE MARCANTE E SEMPRE LEMBRADA QUANDO SE FALA EM OP. SUAS OBRAS. ATUALMENTE SUAS OBRAS ATINGEM PREÇOS DE MILHÕES DE DOLLARES NO MERCADO INTERNACIONAL. ART. DEC. 50. 50 X 50 MM (SEM CONSIDERAR O TAMNHO DA MOLDURA).NOTA: Victor Vasarely, nascido húngaro: Vasarhelyi Gyozo (9 de Abril de 1906, Pécs - 15 de Março de 1997, Paris) Vasarely nasceu em Pécs e cresceu em Piestany (então Pöstyén) e Budapeste, onde em 1925 ele assumiu os estudos médicos na Universidade de Budapeste. Em 1927, ele abandonou a medicina para aprender pintura acadêmica tradicional na escola Podolini-Volkmann Academy. Em 1929 ele pintou sua Estudo Azul e Estudo Verde. Em 1930 ele se casou com sua companheira de estudos Claire Spinner (1908-1990). Juntos, eles tiveram dois filhos, André e Jean-Pierre. Em Budapeste, ele trabalhou para uma empresa de rolamentos de esferas em contabilidade e desenhanhava cartazes publicitários. Victor Vasarely tornou-se um designer gráfico e um artista de pôsteres durante a década de 1930. Se estabeleceu em Paris, em 1930 trabalhando como artista gráfico e como um consultor criativo nas agências de publicidade Havas, Dräger e Devambez (1930-1935). Suas interações com outros artistas durante este tempo eram limitadas. Ele brincava com a idéia de abrir uma instituição modelo e desenvolveu algum material de ensino para ele. Tendo vivido principalmente em hotéis baratos, ele se estabeleceu em 1942/1944 em Saint-Céré no departamento Lot. Após a Segunda Guerra Mundial, abriu um ateliê em Arcueil, um subúrbio de cerca de 10 km do centro de Paris (no departamento de Val-de-Marne da Île-de-France). Em 1961, ele finalmente se estabeleceu em Annet-sur-Marne (no departamento de Seine-et-Marne). Durante as próximos três décadas, Vasarely desenvolveu o seu estilo de arte abstrata geométrica, trabalhando em vários materiais, mas utilizando um número mínimo de formas e cores. Ele morreu em Paris em 15 de março de 1997.
  • VITOR VAZARELY ZEBRAS (CORPO INTEIRO- SERIGRAFIA EM PAPEL TECIDO COM ASSINATURA DA PRÓPRIA CHAPA. ESSA OBRA É CONSIDERADA A PRIMEIRA OBRA DE VALARELY EM OP ART CRIADA NA DECADA DE 1930. O TERMO OP ART VEM DO INGLÊS OPTICAL ART, E SIGNIFICA ARTE ÓPTICA. UMA DAS PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DAS OBRAS ARTÍSTICAS DESSE MOVIMENTO É O EFEITO DE ILUSÃO DE ÓTICA CRIADO PELA PEÇAS QUE BRINCAM COM O OLHAR DO ESPECTADOR, TRAZENDO DIVERSAS PERSPECTIVAS. O HÚNGARO VICTOR VASARELY É CONSIDERADO UM DOS GRANDES REPRESENTANTES DA OP ART NO MUNDO E SUAS OBRAS SE DESTACARAM NOS ANOS 1930. O ARTISTA FOI INFLUENCIADO PELA ARTE CINÉTICA, CONSTRUTIVISTA E ABSTRATA E PELO MOVIMENTO DE BAUHAUS. SUA OBRA A ZEBRA (1938) É COMPOSTA INTEIRAMENTE POR LISTRAS DIAGONAIS EM PRETO E BRANCO E CURVADAS DE TAL MODO QUE DÃO A IMPRESSÃO TRIDIMENSIONAL DE SER UMA ZEBRA SENTADA. UMA ARTE MARCANTE E SEMPRE LEMBRADA QUANDO SE FALA EM OP. SUAS OBRAS. ATUALMENTE SUAS OBRAS ATINGEM PREÇOS DE MILHÕES DE DOLLARES NO MERCADO INTERNACIONAL. ART. DEC. 50. 50 X 50 MM (SEM CONSIDERAR O TAMNHO DA MOLDURA).NOTA: Victor Vasarely, nascido húngaro: Vasarhelyi Gyozo (9 de Abril de 1906, Pécs - 15 de Março de 1997, Paris) Vasarely nasceu em Pécs e cresceu em Piestany (então Pöstyén) e Budapeste, onde em 1925 ele assumiu os estudos médicos na Universidade de Budapeste. Em 1927, ele abandonou a medicina para aprender pintura acadêmica tradicional na escola Podolini-Volkmann Academy. Em 1929 ele pintou sua Estudo Azul e Estudo Verde. Em 1930 ele se casou com sua companheira de estudos Claire Spinner (1908-1990). Juntos, eles tiveram dois filhos, André e Jean-Pierre. Em Budapeste, ele trabalhou para uma empresa de rolamentos de esferas em contabilidade e desenhanhava cartazes publicitários. Victor Vasarely tornou-se um designer gráfico e um artista de pôsteres durante a década de 1930. Se estabeleceu em Paris, em 1930 trabalhando como artista gráfico e como um consultor criativo nas agências de publicidade Havas, Dräger e Devambez (1930-1935). Suas interações com outros artistas durante este tempo eram limitadas. Ele brincava com a idéia de abrir uma instituição modelo e desenvolveu algum material de ensino para ele. Tendo vivido principalmente em hotéis baratos, ele se estabeleceu em 1942/1944 em Saint-Céré no departamento Lot. Após a Segunda Guerra Mundial, abriu um ateliê em Arcueil, um subúrbio de cerca de 10 km do centro de Paris (no departamento de Val-de-Marne da Île-de-France). Em 1961, ele finalmente se estabeleceu em Annet-sur-Marne (no departamento de Seine-et-Marne). Durante as próximos três décadas, Vasarely desenvolveu o seu estilo de arte abstrata geométrica, trabalhando em vários materiais, mas utilizando um número mínimo de formas e cores. Ele morreu em Paris em 15 de março de 1997.
  • LINDA CAIXA EM PRATA DE LEI COM MADREPEROLA E PINTURNAS INTERNAS PINTADAS SOB MARFIM. TEM TAMPAS BASCULANTES NA FACE SUPERIRO E INFERIOR OS COMPARTINMENTOS QUANDO ABERTOS RELEVAM PRIMOROSAS PINTURAS SOB MARFIM. UMA DELAS, MUITO DIVERTIDA TEM PERSONAGEM FEMININA LENDO EM UMA CADEIRA E SEGURANDO UMA MINIATURA COM RETRATO PROVAVELMENTE DE UM PRETENDENTE. ATRÁS DELA ESPREITANDO UMA VELHA FREIRA SEGURANDO UMA LENTE TENTA VER O RETRATO QUE A JOVEM SEGURA. NA OUTRA FACE A PINTURA É DE UMA MULHER VESTIDA AO MODO DO SEC. XVIIII ABRAÇANDO UM CUPIDO. NO ENTORNO DA CAIXA DECORAÇÃO COM ROCAILLE. EUROPA, INICIO DO SEC. XIX. 5,8 X 5 X 2,8 CM
  • LINDA SALVA EM PRATA DE LEI BATIDA CINZELADA E REPUXADA. MARCAS DE CONTRASTE PARA CIDADE DO PORTO (P COROADO) E PRATEIRO AUGUSTO CÉSAR TRINDADE MACHADO DATÁVEL A PARTIR DE 1877. BORDA DECORADA COM LINDAS FLORES RELEVADAS. PLANO COM BELO E INTRICADO GUILLOCHE. PORTUGAL, SEC. XIX. 37 CM DE DIAMETRO. 860 G
  • BACCARAT HARCOURT LINDA JARRA LAPIDADA EM FACETAS. MODELO HARCOURT, CRIADO EM 1841ELEGANTE FEITIO. FRANÇA, INICIO DO SEC. XX. 25 CM DE ALTURA
  • PRATA 10 DINHEIROS - LINDO PAR DE CASTIÇAIS DITOS DE GARRA E BOLA EM PRATA DE LEI. MARCAS DE CONTRASTE 10 DINHEIROS DA CIDADE DO RIO DE JANEIRO E PRATEIRO REFERENCIADO POR MOITINHO COMO BR156. LINDOS GULLOCHES. FUSTE EM BALAÚSTRE. BRASIL, SEC. XIX. 805G.
  • BELO PAR DE CASTIÇAIS EM METAL ESPESSURADO A PRATA. BOBECHE PROFUSAMENTE TRABALHADA EM FENESTRAS COM FLORES. FUSTE EM BALAUSTRE. BASE EM PLATEAU TAMBÉM REMATADA COM FLORES. MARCAS DE CONTRASTE PREJUDICADAS PARA LEITURA. EUROPA, INICIO DO SEC. XX. 21,5 CM DE ALTURA
  • BERNARD BOUTER MENINO CHORÃO ESCULTURA EM BRONZE SOBRE BASE EM MÁRMORE. EUROPA, INICIO DO SEC. XX. 27 CM DE ALTURA
  • ESCOLA INGLESA A TORMENTA OLEO SOBRE TELA ASSINATURA NÃO IDENTIFICADA DATADO DE 1888. GRANDE TELA COM LINDA PINTURA REPRESENTANDO TEMPESTADE MARÍTIMA. EM TERRA, A BEIRA D EUM FAROL VARIOS PERSONAGENS SÃO REPRENSENTADOS EM ATIVIDADES DE RECOLHER BARCO, PUXAR UM MASTRO DO MAR, E DA PLATAFORMA DO FAROL OBERSERVAM COM LUNETA UM VELEIRO ENTRE AS VAGAS. O MASTRO SENDO PUXADO DE DENTRO DO MAR QUEBROU DESTE VELEIRO. BELA PINTURA DE MUITO GRANDE DIMENSÃO! LINDA MOLDURA! INGLATERRA, 1888. 140 X 100 (SOMENTE A TELA) 170 X 30 CM (COM A MOLDURA)
  • BARÃO DE IBITINGA JOAQUIM FERREIRA DE CAMARGO ANDRADE. BELO RETRATO RICAMENTE EMOLDURADO. ÚNICA REPRESENTAÇÃO DO BARÃO DE IBITINGA AINDA JOVEM. ERA FILHO DO BARÃO DE ITATIBA E NETO DO CAPITÃO MOR FLORIANO DE CAMARGO PENTEADO O MAIOR PROPRIETÁRIO DE TERRAS DA REGIÃO DE CAMPINAS. O BARÃO DE IBITINGA FOI PADRASTO DE BRANDINA PENTEADO, E CONCEDEU SUA MÃO EM CASAMENTO AO IRMÃO MAIS NOVO INÁCIO FERREIRA DE CAMARGO. FRANÇA, MEADOS DO SEC. XIX. 84 X 72 CM.NOTA: Natural de Campinas, Joaquim Ferreira de Camargo nasceu em 1832. Proprietário de uma fazenda de café, conhecida como Nova Lousã, no município de Espírito Santo do Pinhal. Também foi proprietário da Fazenda das Cabras e São José. Pertenceu ao Partido Liberal, exercendo cargos de nomeação e eleição popular. Foi fazendeiro e teve plantação de café no município de Itatiba/SP, foi também vereador, juiz municipal e diretor de várias empresas, como a Companhia Campineira de Iluminação e Gás e Companhia Mogiana de Estradas de Ferro. Em 1887 foi agraciado com o título de Barão de Ibitinga pelo Governo Imperial. Joaquim Ferreira de Camargo Andrade é neto, por pai, do Capitão Joaquim de Camargo Penteado e é neto, por mãe, do Capitão Mor, Floriano de Camargo Penteado. Foi fazendeiro e teve plantações de café no município de Itatiba/SP. O Barão casou-se 2 vezes: Primeiro casamento, com Cândida Franco (irmã da Baronesa de Araras) que é filha do Capitão Joaquim Franco de Camargo. Tiveram 5 filhos. A 1o filha do casal é Maria casada com Antonio Alvares Leite, Conde Alvares Penteado, pela Santa-Sé. Segundo casamento, com Maria Higina de Almeida Lima (irmã da Baronesa de Pirapitinguí e sobrinha do Barao de Descalvado), que é quem tem o título de Baronesa de Ibitinga. Era viúva de João Carlos Leite Penteado. Tiveram 4 filhos. A última filha, Amália, casada com Henrique dos Santos Dumont, irmão do inventor Santos Dumont.
  • GRANDE PAR DE PINHAS (BOULE DESCALIERS ) EM CRISTAL OVERLAY BRANCO E TRANSLÚCIDO COM LAPIDAÇÃO GEOMÉTRICA. ASSENTES SOBRE BASE EM BRONZE. FRANÇA, SEC. XIX/XX. 35 CM DE ALTURANOTA: Boule DEscalier ou bolas de escada começaram a ser fabricas em cristal pela manufatura SAINT LOUIS em 1845. Além do aspecto ornamental, elas tinham uma razão prática para existir: a conveniência de ocultar intersecção do corrimão no balaústre na base da escada. A manufatura de BACCARAT começou logo a seguir em 1846. Seguiu-lhes a manufatura de CLICHY (1849). A Whiterfriars Manufactory (Reino Unido) começou um pouco atrasada e não lançou as primeiras bolas de vidro até 1855. Inicialmente elas eram em blocos de cristal maciço (e logo depois passaram a ser ocadas). As Grandes cristalleries francesas como Baccarat e Saint-Louis produziram verdadeiras obras de arte cujas facetas capturavam a iridescência azulada da iluminação a gás. Em seguida, a bola foi adornada à maneira do cristal da boêmia, alternando a transparência das peças lapidas com as áreas planas do vidro colorido. Assim o artesão criava efeitos de luz a partir de formas geométricas sob uma segunda camada de cristais coloridos colocados na superfície: técnica chamada de "sobreposição". Das escadas, as Boule DEscaliers passaram a adornar as salas dos colecionadores que reúnem modelos e cores diferentes o que as torna encantadoras e decorativas.
  • BARONESA DE IBITINGA MARIA HYGINA ALVARES DE ALMEIDA LIMA RETRATO DA BARONESA DE IBITINGA EXECUTADO EM PARIS. BELA MOLDURA! MARIA HYGINA ALVARES DE ALMEIDA LIMA ERA FILHA DE ANTÔNIO ÁLVARES DE ALMEIDA LIMA QUE EM 1831 FUNDOU A FAZENDA SANTO ANTONIO QUE DARIA ORIGEM AO MUNICÍPIO DE ARARAS. A FAZENDA SANTO ANTONIO FOI UMA DAS PRIMEIRAS FAZENDAS DA REGÍÃO A ADOTAR O CAFÉ COMO PRINCIPAL ATIVIDADE AGRÍCOLA. FRANÇA, SEC. XIX. 110 X 60 CMNOTA: MARIA HYGINA ALVARES DE ALMEIDA LIMA, a BARONESA DE IBITINGA foi casada em primeiras núpcias com o Dr. João Carlos Leite Penteado. Dessa união teve os filhos Antonio Álvares Leite Penteado (Conde de Álvares Penteado, Inácio Leite Penteado casado com Olívia Guedes grande mecenas da arte moderna brasileira), Brandina Penteado (casada com o irmão caçula do segundo marido da Baronesa o Barão de Ibitinga). Por herança Maria Hygina recebeu a Fazenda Santo Antonio. Em 1892, nas mãos de Ignacio Penteado, filho de Marya Higina e sua mulher, Olívia (eles eram primos-irmãos), a fazenda era um dos centros da intelectualidade da época. Olívia era filha de José Guedes de Sousa e de Carolina Álvares Guedes, osbarões de Pirapitingui. Naceu em Campinas em 12 de março de 1872 e faleceu em 1934. Olívia conheceu os amigos modernistas emParis, onde morava, e trouxe para o Brasil pela primeira vez exemplares da obra dePablo PicassoeMarie Laurencin, entre outros. Olívia Penteado criou o Salão de Arte Moderna, a partir de1923, quando voltou a morar no país. Interessados pela arte e cultura européia, o casal se tornou profundo apreciador da arte contemporânea. Nos anos 20, Olívia recebia em Santo Antônio, entre outros, Villa Lobos, Tarsila do Amaral, Lasar Segall, Oswald de Andrade, Mario de Andrade e Brecheret. Em 1925, Olívia construiu o seu "Pavilhão Moderno", cujas paredes internas e externas e o forro foram pintados por Lasar Segall.Na década de 3O, a fazenda Santo Antônio passou para as mãos da filha de Olívia, Carolina, e de seu marido, Goffredo da Silva Telles. Lutou tenazmente pelovoto feminino, conseguindo eleger a primeira mulher para uma constituinte, a dra.Carlota Pereira de Queiroz. Participou ativamente darevolução de 1932. A Baronesa de Ibitinga foi também avó da icônica socialite Yolanda Penteado. Numerosa e muito importante foi a descendência dos dois troncos da Baronesa de Ibitinga tanto do lado dos poderosos Condes Álvares Penteado quanto dos filhos do Barão de Ibitinga, seu segundo marido, JOAQUIM FERREIRA DE CAMARGO ANDRADE.
  • BARÃO DE IBITINGA (1832-1815) JOAQUIM FERREIRA DE CAMARGO ANDRADE FILHO DO BARÃO DE ITATIBA, SOGRO E PADRASTO DO CONDE DE ÁLVARES PENTEADO, CUNHADO DA BARONESA DE PIRAPITINGUI. PRATO PARA SOBREMESA EM PORCELANA DA MANUFATURA DE CHARLES PILLIVUYT & CO MEDAILLE D0R 1867 1878. BORDA COM BARRADO EM SALMÃO DELIMITADO POR FRISOS EM OURO. CALDEIRA COM RESERVA CONTENDO INICIAS BI ENTREÇADOS SOB COROA DE BARÃO. PERTENCEU AO SERVIÇO DE JOAQUIM FERREIRA DE CAMARGO ANDRADE. EXEMPLAR DESSE BELO SERVIÇO ESTÁ REPRODUZIDO A PAGINA 265 DO LIVRO LOUÇA DA ARISTOCRACIA DO BRASIL POR JENNY DREYFUS. EXCELENTE ESTADO DE CONSERVAÇÃO. FRANÇA, DEC. 1870. 21,5 CM DE DIAMETRONOTA: Natural de Campinas, Joaquim Ferreira de Camargo nasceu em 1832. Proprietário de uma fazenda de café, conhecida como Nova Lousã, no município de Espírito Santo do Pinhal. Também foi proprietário da Fazenda das Cabras e São José. Pertenceu ao Partido Liberal, exercendo cargos de nomeação e eleição popular. Foi fazendeiro e teve plantação de café no município de Itatiba/SP, foi também vereador, juiz municipal e diretor de várias empresas, como a Companhia Campineira de Iluminação e Gás e Companhia Mogiana de Estradas de Ferro. Em 1882 foi agraciado com o título de Barão de Ibitinga pelo Governo Imperial. Joaquim Ferreira de Camargo Andrade é neto, por pai, do Capitão Joaquim de Camargo Penteado e é neto, por mãe, do Capitão Mor, Floriano de Camargo Penteado. Foi fazendeiro e teve plantações de café no município de Itatiba/SP. Casou-se com Cândida Marcolina de Cássia Franco (1842 - 1866), filha do capitão Joaquim Franco de Camargo e de sua segunda esposa, Maria Lourença de Morais. Eram suas irmãs Manuela Assis de Cássia Franco, baronesa de Araras, e Clara Franco de Camargo, primeira esposa do Barão de Arari. O casal teve cinco filhos: Maria Ferreira de Camargo; Francisca Ferreira de Camargo; Cândida Ferreira de Camargo; Joaquim Ferreira de Camargo; Ana Ferreira de Camargo, morta em tenra idade. Viúvo, casou pela segunda vez com Maria Higina Álvares de Almeida Lima (1833 - 1902), também viúva (do Dr. João Carlos Leite Penteado), filha de Antônio Álvares de Almeida Lima, importante fazendeiro de Limeira, e de Maria Emília de Toledo, irmã do Barão do Descalvado. Desta união, nasceram-lhe mais quatro filhos: Alberto Ferreira de Camargo; Clodomiro Ferreira de Camargo; Fausto Ferreira de Camargo; Amália Ferreira de Camargo. Um fato curioso é que Maria, Francisca e Cândida, as três filhas do primeiro casamento de Camargo Andrade, casaram-se, respectivamente com Antônio Álvares, Carlos Olímpio e Bernardo Álvares Leite Penteado, filhos do primeiro casamento de Maria Higina. Também Clodomiro casou-se com Lucília Ferreira de Camargo, sua sobrinha, filha de sua meia-irmã Maria Joana Leite Penteado, do casamento de Maria Higina e de João Carlos Leite Penteado, e de Elisiário Ferreira de Camargo Andrade, seu tio paterno. Já Joaquim e Alberto desposaram outras duas irmãs: Clara e Olívia, filhas de João Soares do Amaral e de Maria da Glória Lacerda (filha de Clara Franco de Camargo). Amália, por sua vez, casou-se com Henrique Santos Dumont, irmão de Alberto Santos Dumont. Em 7 de maio de 1882, foi condecorado com o título de Barão de Ibitinga pelo imperador Pedro II. Faleceu em Campinas, aos 83 anos, e seu corpo foi sepultado no Cemitério da Saudade
  • BARÃO DE IBITINGA GRANDE CENTRO DE MESA EM METAL ESPESSURADO A PRATA COM REPRESENTAÇÃO DE IMPONENTE CERVO EUROPEU SOB ÁRVORE. ELEVADO SOBRE TRÊS PÉS. BASE CIRCULAR. MONOGRAMA JC (GUARNECEU A RESIDÊNCIA DO BARÃO DE IBITINGA, O PALÁCIO DOS AZULEJOS). EUROPA, SEGUNDA METADE DO SEC. XIX. 34 CM DE ALTURA
  • CONJUNTO DE CHÁ E CAFÉ EM PRATA DE LEI E SEU TABULEIRO. FORMIDÁVEL CONJUNTO PARA CHÁ E CAFÉ ACOMODADO SOBRE SEU TABULEIRO EM PRATA DE LEI. MARCAS DE CONTRASTE PARA PORTUGAL, INICIO DO SEC. XX. DOTADO DE BULE PARA CHÁ, BULE PARA CAFÉ, CREMEIRA, AÇUCAREIRO E TABULEIRO. OS BULES SÃO DO TIPO BICO DE PATO. O CONJUNTO É DECORADO EM RELEVO COM CONCHEADOS E ROCAILLE. PORTUGAL, INICIO DO SEC. XX. 66 CM DE COMPRIMENTO (TABULEIRO). 5235 G
  • CARLOS OSWALD - COMPOSIÇÃO COM ROSAS - OST - GRANDE E BELA OBRA DO ARTISTA.. . COM CERTIFCADO DE VENDA EM LEILÃO DE MAIO DE 2011 FORNECIDO POR LORDELLO E GOBBI. 60 X 93 CM (SEM CONSIDERAR O TAMANHO DA MOLDURA)NOTA: Numa manhã, em Paris, saí para mandar emoldurar uma aquarela: abrindo a porta da Maison Boulanger, no Montparnasse, o vento desenrolou o embrulho e o meu trabalho caiu do outro lado do balcão. A mocinha funcionária da casa apanhou o papel e esticando os braços, afastou-o dos olhos para melhor apreciá-lo; inclinou a cabeça e disse sorrindo: Oh! la lumière! É isto mesmo, penso eu agora, despertado pela lembrança daquele fato aparentemente insignificante, é isto mesmo o pintor: um indivíduo que tem a possibilidade de transformar um pedaço de papel amarrotado em lumière, em luz.Carlos Oswald Sobre Pintura, Jornal do Commercio, 1963. Carlos Oswald nasceu em Florença, Itália, aos 18 de outubro de 1882, filho primogênito do compositor brasileiro Henrique Oswald, e de Laudômia Bombernard Gasperini. Do pai, vem-lhe o sangue suiço-alemão (do avô Jean-Jacques Oschwald, que simplificou seu sobrenome para Oswald), e o italiano, da avó paterna Carlotta Luiza Horácia Cantagalli, nascida em Livorno. Da mãe, herda o sangue francês da avó, Maria Bombernard, e o toscano puro dos Gasperini. Sua primeira exposição individual no Rio de Janeiro dá-se no ano de 1907. As críticas são favoráveis e Carlos retorna revigorado a sua Florença para terminar o curso na Academia. Já então pintor feito, Carlos começa a colher os primeiros resultados de seu trabalho. Vê quatro quadros seus serem aceitos na Promotrice de Florença, conceituada exposição anual que aceitava pintores de qualquer nacionalidade, sujeitos entretanto à avaliação. Carlos viaja pela Itália, enriquecendo o próprio acervo de imagens, com a intenção de ampliar suas possibilidades. Absorve as novas tendências, que passariam pelo crivo de sua sensibilidade, na escolha de um estilo próprio. Em 1908 começa a trabalhar no ateliê de Carl Strauss, agua-fortista americano de origem alemã. É quando descobre a gravura em metal, que seria uma paixão em sua vida. Visita a Alemanha, onde expõe e estuda, apresentando já uma técnica segura e definitiva. Em 1910 é convidado pelo Governo do Brasil a decorar a Sala de Música do Pavilhão Brasileiro na Exposição Internacional de Turim. A seu lado, o que havia de mais representativo da arte brasileira: João e Arthur Timotheo da Costa, Carlos e Rodolfo Chambelland, Eugênio Latour, etc. Como os trabalhos deveriam ser executados em Paris, para lá parte ele, quando aluga uma sala para usar como ateliê e toma conhecimento de todas as vanguardas francesas. Sofre a influência do lionês Puvis de Chavanne cujo estilo o influenciaria daí por diante quando de execuções de murais. Esta exposição em Turim, de grande importância histórica para o Brasil, seria praticamente esquecida, pois foi toda desmanchada no término da mesma. Foi realmente a partir de 1918 que a carreira de Carlos se firmou. Grande êxito nas exposições realizadas, permitiram-lhe já em 1918 construir sua casa na Rua Piratini 78, mais tarde Carmela Dutra, onde residiu toda a vida, dividindo-a entretanto com a casa de Petrópolis, à Rua Carlos Gomes 42, comprada por seu pai e que ele compraria mais tarde das irmãs, fazendo tanto da casa da Tijuca como da de Petrópolis, um centro de expansão da Arte. Em 1918 conhece o poeta Paul Claudel e seu secretário Darius Milhaud, desenvolvendo com ambos uma bela amizade. Fez de Milhaud, que se celebraria mais tarde na França como um dos elementos da música de vanguarda, integrando o Grupo Les Six, um retrato cubista, que levado para Paris fez muito sucesso. Na primeira década do século, a pintura de Carlos é quase exclusivamente profana. São paisagens, naturezas mortas, retratos, composições com a figura da mulher. Seu nu Estudo de reflexos, premiado na Exposição Promotrice de Florença, hoje no Museu Nacional de Belas Artes, em estilo impressionista, dá bem idéia de sua pintura nesta época. Pinta também muito composições com a figura do boi que estudara em Forte dei Marmi, de onde nos vem o mármore de Carrara. Um dos mais conhecidos, também do acervo do Museu Nacional de Belas Artes, é o Último Esforço, óleo onde se vê bois no esforço de puxar um navio para a terra. Existe uma gravura com o mesmo tema, talvez das mais belas de sua obra. Na segunda década do século, Carlos pinta sobretudo a mulher, mas aí já em seus afazeres domésticos, mais a mulher-mãe, a mulher-irmã, a mulher-esposa. E começa então a pintar seus primeiros quadros sacros: Eu sou a Luz do Mundo, seu primeiro Sagrado Coração de Jesus. Ele estava então no auge dos estudos sobre efeitos de luz, usando o resultado de suas pesquisas em quase todos os quadros pintados nesta época. Aliás era então conhecido como o pintor dos efeitos de luz, e a crítica o saúda por isto. É desta época também um de seus quadros que mais sucesso alcançou. Pintado inicialmente para a Igreja do Brás em São Paulo, Carlos iria repetir esta composição em outro quadro que foi editado pela Stehli&Fr;ères da Suíça que o divulgaria por todo o mundo ocidental. Trata-se da Santa Ceia do Senhor reproduzida por centenas de vezes, guardando sempre a composição, mas variando na cor, no ambiente, nas expressões dos Apóstolos. Deste quadro aliás já aconteceram muitas falsificações, a maioria delas grosseira o que denuncia imediatamente sua origem. Em 1943 Carlos mandara vir de Petrópolis a prensa que pertencera a Henrique Bernardelli, cópia da de Rembrandt. E a Rua Piratiny 78, na Tijuca, passa a ser mais um núcleo de gravura, aberto à impressão de alunos e amigos. Em 1946, com Tomás Santa Rosa e Alex Leskoschek, inicia um curso de Gravura na Fundação Getúlio Vargas, que embora tenha durado apenas um ano, despertou para a gravura artistas como Fayga Ostrower e outros. Fundou também por esta época o Ateliê de Arte, tendo como companheiros seus ex-aluno José dAvila, seu filho Henrique C. Bicalho Oswald, e o gravador austríaco Hessheimer. A alma do empreendimento era o húngaro Peter Morris, um idealista que arriscou tudo o que tinha nesta empreitada que infelizmente não logrou êxito. Carlos Oswald participou durante anos do Júri para os Salões Oficiais da Escola de Belas Artes. Também era presença obrigatória em qualquer Concurso ou Salão quando se tratava de Gravura. Foi membro do Conselho de Arte do I.B.E.U. tendo atuação ativa e empreendedora. Chamado pelo arquiteto Heitor da Silva Costa na ocasião da criação e construção do Cristo Redentor do Corcovado, fez os estudos e desenhos da estátua, detalhados no naturalismo, partindo depois para o sintetismo, estilo que gostava de usar em seus murais de Arte Sacra, como comprova aliás, a Matriz de Santa Therezinha do Túnel, onde tanto o mosaico como os painéis e os vitrais são de sua autoria. É dele, aliás, a idéia do Cristo de braços abertos, dando a impressão, ao ser visto de longe, de uma cruz plantada no granito. Durante muitos anos foi professor. Primeiramente no Liceu de Artes e Ofícios, onde lecionou Gravura e Desenho, e particularmente em seu ateliê. Formou artistas do naipe de Hans Steiner, Poty, Orlando Da Silva, e muitos outros. Participou de Comissões de Arte. A mais importante foi o Conselho Nacional de Belas Artes, em 1951. Havia duas Seções: a tradicionalista, representada por Flexa Ribeiro (crítico de arte), Henrique Cavallero (pintor, Leão Veloso (escultor) e Carlos Oswald (água-fortista). A Seção Modernista era representada por Tomás Santa Rosa (crítico), Iberê Camargo (pintor), Bruno Giorgi (escultor) e Oswaldo Goeldi (xilógrafo). Dois membros perpétuos, o Dr. Rodrigo Mello Franco de Andrade, Diretor do Patrimônio Artístico, e Oswald Teixeira, Diretor do Museu Nacional de Belas Artes. Falece em Petrópolis, no dia 14 de fevereiro de 1971.
  • PALACIANO SOFÁ DA SEGUNDA METADE DO SEC. XVIII, REINADO LOUIS XV. A FORRAÇÃO ORIGINAL EM AUBUSSON ESTÁ EM MUITO BOM ESTADO. TAPEÇARIA DE BEAUVAIS COM PINTURAS DE JEAN-BAPTISTE OUDRY, FORNECEDOR DO REI, RECONHECIDO POR SUA PRODUÇÃO SEMPRE COM TEMÁTICA DE REALISTAS ANIMAIS. MADEIRA ENTALHADA COM INSIGNE MAESTRIA, COM ROCAILLES E VOLUTAS PRIMOROSAS. A DECORAÇÃO DO ENCOSTO TEM UMA RAPOSA EM MEIO A FLORESTA CERCADA POR GUIRLANDAS FLORAIS, O ASSENTO TEM UM LINDO JAGUAR ACOSSADO POR CÃES. A ESTRUTURA É SÓLIDA E A TAPEÇARIA EM MUITO BOM ESTADO. FRANÇA, SEC. XVIII. 107(h) X 154 (C) X 64 (P) CM. NOTA: Jean-Baptiste Oudry foi um pintor, gravador e desenhista de tapeçaria rococó francês . Ele é particularmente conhecido por suas imagens naturalísticas de animais e suas peças de caça que representam jogos. O primeiro proprietário da manufatura, Louis Hinard, era natural de Beauvais, produzia tapeçarias florais e foliadas pouco ambiciosas chamadas verdures e tapeçarias de paisagem, conhecidas por anotações casuais em contas reais. Ele foi preso por suas dívidas em 1684, e as oficinas foram assumidas com mais sucesso sob Philippe Behagle, um comerciante fabricante de tapeçaria de Oudenarde , que também havia trabalhado na tradicional cidade de Tournai, com tradição em tecelagem de tapeçaria . Os primeiros sucessos de Behagle foram uma suíte de Conquests of the King (conquistas do rei) que complementou uma suíte contemporânea de Gobelins mostrando episódios da Life of the King (vida do rei. Uma série de Atos dos Apóstolos , seguindo cópias dos desenhos de Rafael , está na catedral de Beauvais . As chamadas tapeçarias de Teniers , à maneira das cenas de vilarejo pintadas por David Teniers, o Jovem , começaram a ser tecidas sob Behagle e continuaram populares, com bordas atualizadas, até o século XVIII, quando teve início a primeira série de arquivos. O grande período da tapeçaria de Beauvais começa com a chegada de Jean-Baptiste Oudry , em 22 de julho de 1726, substituindo o insatisfatório Jacques Duplessis. Quando Mérou foi demitido em 1734 por falsificação de contas, pela primeira vez a manufatura foi dirigida por um artista, já que o financiador de Oudry, Nicolas Besnier, um ourives de Paris, foi sábio o suficiente para não interferir na produção artística, e a parceria durou até 1753. Oudry foi simultaneamente inspetor das obras em Gobelins. Em Beauvais reorganizou a formação dos jovens artesãos e fez desenhos constantemente renovadas: as Novas Caças , a suite dos Prazeres do Campo , as cortinas que ilustram as comédias de Molière's. Conjuntos de coberturas de tapeçaria para móveis de assento foram introduzidos e, em setembro de 1737, foi decidido que o rei da França deveria comprar dois conjuntos de tapeçaria a cada ano, por 10.000 libras , para presentes aos ministros das Relações Exteriores, um anúncio da hegemonia francesa no campo da arte e também uma bela propaganda da qualidade da fabricação de Beauvais. O rei tinha toda a produção dos tradicionis Gobelins à sua disposição, mas como Edith Standen apont, eles eram bastante grandes, bastante solenes e definitivamente antiquados em comparação com a produção de Beauvais . Em 1739, pela primeira vez, desenhos de Beauvais foram exibidos no salão de Paris, outra forma de manter as oficinas de tapeçaria a mostra para o público.

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