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  • NOSSA SENHORA DO APOCALIPSE LINDA E RARA ESCULTURA EM MADEIRA POLICROMADA E DOURADA REPRESENTANDO A VIRGEM DO APOCALIPSE SEGUNDO A TALHA DE BERNARDO DE LAGARDA O MAIOR REPRESENTANTE DOS ESCULTORES DA ESCOLA DE QUITO NO PERIODO COLONIAL EQUATORIANO. ESCULTURAS DA ESCOLA DE QUITO SÃO MUNDIALMENTE FAMOSAS PELA QUALIDADE ESCULTÓRICA E MOVIMENTO. COM ANTECEDENTES EM ALGUMAS GRAVURAS EUROPEIAS DO SÉCULO XVI, COMO A DE ALBRECHT DÜRER NA SUA OBRA "MULHER APOCALÍPTICA E DRAGÃO COM SETE CABEÇAS", A ESCULTURA DE LEGARDINE, REPRESENTA UMA VIRGEM DANÇANTE QUE PARECE FLUTUAR, COM GRANDE RIQUEZA GESTUAL E ABUNDÂNCIA DE DOBRAS E MOVIMENTOS, CUJAS MÃOS ESTÃO EM POSIÇÃO DE VÔO E ÊXTASE. ELA SE VESTE DE SOL NA TÉCNICA CHINESCA, POLICROMADA SOBRE FUNDO FOLIAR DE OURO, ENQUANTO O MANTO É DE COR AZUL PROFUNDO E TEM LÂMINAS PRATEADAS NA PARTE INFERIOR. A CABEÇA DA VIRGEM É COROADA POR DOZE ESTRELAS QUE BROTAM DE UMA TIARA DE METAL PRATEADO E CINZELADO, QUE PARA A COSMOVISÃO ANDINA REPRESENTA A PREEMINÊNCIA FEMININA DURANTE OS DOZE MESES DO ANO, REFERENTE À AGRICULTURA, ÉPOCAS DE PLANTIO E COLHEITA REGIDAS PELA LUA (MINGUANTE E CRESCENTE) E O SOL (SOLSTÍCIOS E EQUINÓCIOS. O GRUPO ESCULTÓRICO APRESENTA EM SUA PARTE BAIXA, A VIRGEM SOBRE O CRESCENTE LUNAR PRATEADO E SEUS DOIS PÉS PISAM SOBRE A FIGURA DE UMA GRANDE SERPENTE QUE TEM A BOCA ABERTA EXIBINDO SEUS DENTES E A LÍNGUA. AS ASAS EM METAL PRATEADO SÃO INSPIRADAS NA DESCRIÇÃO DE SÃO JOÃO EM SUA VISÃO DO APOCALIPSE NA ILHA DE PÁTMOS DA MULHER ALADA QUE FOGE PARA O DESERTO PARA ESCONDER SEU FILHO DA BESTA QUE A PERSEGUE. A POLICROMIA É MAGNIFICA, RICA EM OURO RELEVADO E PINTUARAS FLORAIS. OS OLHOS DE VIDRO SÃO BELÍSSIMOS E EXPRESSIVOS! AMÉRICA ESPANHOLA, FINAL DO SEC. XIX. 50 CM DE ALTURA (SEM CONSIDERAR O TAMANHO DO RESLENDOR)NOTA: Segundo Patrizia Di Patre , a fonte da Virgen do Apocalipse está intimamente ligada à literatura barroca , em particular ao poeta Jacinto de Evia e à releitura de mulheres guerreiras clássicas e virtudes virginais. Para entrar na história deste ícone da escultura equatoriana, é preciso voltar ao século XVIII, quando a escola de Quito era um dos mais importantes focos de arte do novo mundo. Dezenas de artistas, sobretudo indígenas ou mestiços, especializados nas oficinas dos conventos ou dos grandes mestres que décadas antes se formaram em conjunto com os padres, para depois continuar a alimentar a fama da Escola que, muito tragicamente, desapareceria durante a época das revoluções de independência do século 19 e nunca mais assumiria a importância do passado. Bernardo de Legarda foi um daqueles mestiços que fizeram brilhar a arte de Quito; Ficou conhecido em 1731 com sua primeira obra importante, restaurando uma imagem de San Lucas para a igreja de Santo Domingo em Quito , e desde então passou a ser procurado por seu trabalho impecável. Em 1732 foi contratado pelos padres franciscanos , que lhe encomendaram uma imagem da Virgem da Imaculada Conceição para um dos retábulos das capelas laterais da Igreja de São Francisco que funcionavam na cidade de Quito. Legarda, ciente de que lhe seria difícil criar a sua própria iconografia com uma imagem tão tradicional como a da Imaculada Conceição (aquela que não carrega o filho, porque está prestes a ser concebida pela obra e pela graça do espirito santo, e cujas cores são sempre o branco e o azul), nunca pensou que alcançaria a obra de escultura mais representativa do que viria a ser o Equador. A obra foi entregue aos franciscanos em 7 de dezembro de 1734. A escultura representa, como já foi dito, a Imaculada Conceição porque esta foi a obra encomendada a Legarda; mas também representa a subida da Virgem ao céu, um detalhe expresso com as asas. É também uma alegoria do triunfo da Igreja sobre o pecado, representado pela besta que é esmagada pela Virgem com os pés, mantendo a corrente amarrada. As cores escolhidas pelo artista para finalizar as roupas da escultura foram o vermelho, que representava o amor de mãe, o azul para a sabedoria e o branco para a pureza. Ao receber a imagem, os franciscanos se maravilharam com sua beleza, tanto que atribuíram a ela um lugar de maior importância no altar-mor de sua igreja. Quiteños logo foram atraídos pela beleza singular da Imaculada que Legarda havia sucedido e ficou conhecida popularmente como a Virgem Dançarina, pela posição das mãos e dobras do vestido, que transmitem uma sensação de movimento, e como a Virgem alada , por causa do acréscimo peculiar que a artista havia feito em suas costas. Em poucos anos, a invocação tornou-se tão popular que começaram a ser feitas réplicas para as pessoas mais ricas da Corte Real., fazendo de Legarda um dos artistas mais requisitados da época. A fama da Virgem alada ultrapassou as fronteiras e foram solicitadas réplicas à Europa, onde passaram a adornar palácios e catedrais. Hoje a escultura é objeto de veneração religiosa e artística e encontra-se no nicho central do altar-mor da Igreja de São Francisco , em Quito, desde o século XVIII. Faz parte do patrimônio histórico da cidade, que por sua vez é Patrimônio Cultural da Humanidade segundo a UNESCO . Participou das mais importantes mostras de arte realizadas no país e no exterior, a mais recente intitulada " Esplendor do Barroco de Quito ", realizada no mosteiro colonial de Santa Clara, no centro histórico de Quito ; e " Cielo de Oro - Barroco Indígena do Equador ", no Museu Etnográfico de Berlim .
  • CHRISTOFLE ELEGANTE PAR DE CANDELABROS EM METAL ESPESSURADO A PRATA. REVERSÍVEIS PARA CASTIÇAIS. EXCELENTE ESTADO DE CONSERVAÇÃO! 32 CM DE ALTURA
  • SAINT JAMES - NOVE SOUSPLATS EM METAL ESPESSURADO A PRATA. EM MUITO BOM ESTADO DE CONSERVAÇÃO. 33 CM DE DIAMETRO
  • SYLVAIN DUBOISSON L ELIPTIQUE, 1987, EDITION ALGORITHME DIRIGIDO POR NESTOR PERKAL FORMIDÁVEL CHAUFFE PLAT, CENTRE DE TABLE, EM METAL ESPESSURADO A PRATA DESENHADO PELO ARQUITETO MODERNISTA SYLVAIN DUBUISSON. EXEMPLAR IDENTICO A ESSE FAZ PARTE DO ACERVO DO INDIANAPOLIS MUSEUM OF ART. TAMBEM ESTA REPRODUZIDO NO LIVRO PROANTIC, LE PLUS BEAU CATALOGUE DANTIQUITES (VIDE FOTO DO CATALOGO NOS CREDITOS EXTRAS DO LOTE) 31 X 21 CMNOTA: Sylvain Dubuisson, arquiteto e designer, nasceu em Bordeaux em 20 de fevereiro de 1946, de uma família de arquitetos renomados: ele é neto de Emile Dubuisson, autor do campanário de Lille, e filho de Jean Dubuisson que tem colaborado fortemente no construção do bairro Maine-Montparnasse (1958-1966), bem como a construção do Museu Nacional de Artes e Tradições Populares (1959-1969) em Paris. Formado em 1973 pela Escola de Arquitetura de Saint-Luc em Tournai, Bélgica, Sylvain Dubuisson se instala de forma independente, desde 1980. Tendo que enfrentar a nova geração de designers, inspirados na cultura de rua e nos quadrinhos que como constroem as bases de um ambiente expressivo e acessível design com grande poder de comunicação, Dubuisson destaca-se por uma cultura muito pessoal, mesclando conhecimentos clássicos (principalmente literários) com gosto pelas ciências e fascínio pelas tecnologias de ponta. Seu perfeccionismo o faz percorrer fábricas e conhecer artesãos, além de melhorar constantemente a confiabilidade dos novos materiais. Um de seus principais toques finais é a exatidão da geometria e a proporção certa. Seu primeiro trabalho foi objetos psicóticos, feitos de um arranjo de elementos heterogêneos, como a lâmpada Muito barulho por nada (1984, col., Fundo Nacional de Arte Contemporânea, depositado no Museu de Artes Decorativas de Paris). Dubuisson assim denominou o seu trabalho, por pertencer a um período da sua atividade foi, para fazer valer a sua própria visão do design, autofinanciar as suas criações, que na sua maior parte permanecem na fase de protótipos.
  • BENEDITO DE ANDRADE GALINHEIRO OST - LINDA OBRA DO ARTISTA CELEBRIZADO POR SUAS PINTURAS COM ESSA TEMÁTICA. ASSINADO NA TELA E NO VERSO COM DATA 1958. REPRESENTA GALO, GALINHA E PERU EM MEIO A CESTOS. DEC. 50, TEM 57 X 46 CM (SEM CONSIDERAR O TAMANHO DA MOLDURA E 76 X 63 CM CONSIDERANDO O TAMANHO DA MOLDURA.NOTA: Pintor e músico. Estudou no Liceu de Artes e Ofícios de São Paulo, na década de 1920, onde foi aluno de Enrico Vio, Vigianni e Paneli, produzindo durante as décadas de 1930 e 1940. Além da pintura, dedicou-se também à música, tocando violino e piano. Foi na década de 1940 que o artista interessou-se pela pintura de aves, com a qual ficou conhecido, pois, neste campo, ele era o único em sua época. Benedito José de Andrade passou a participar de exposições oficiais, expondo por sete vezes no Salão Paulista de Belas Artes, sendo que na 44ª edição, em 1980, sua participação foi póstuma, como homenageado. O Salão Paulista, financiado pelo Estado, era um dos eventos artísticos mais importantes da cidade. Quando o pintor candidatou-se pela primeira vez, esse evento já estava em seu 13º ano de existência, e a partir de 1945 obteve diversos prêmios. Andrade concentrou sua atividade artística em São Paulo, sendo que sua primeira participação em uma exposição coletiva foi no 11º Salão Paulista de Belas Artes, na Galeria Prestes Maia. Voltou a se destacar novamente em 1948, na 14ª edição do Salão, quando conquistou medalha de bronze, e no ano seguinte, conquistou, no mesmo Salão, a pequena medalha de prata. Em 1951, Andrade recebeu o Prêmio Prefeitura de São Paulo e, em 1963, a grande medalha de prata, respectivamente na 16ª e na 28ª edição do Salão Paulista de Belas Artes, sendo que 1963 foi o último ano que o pintor concorreu. Ainda neste Salão, integrou o júri no ano de 1966. Obteve outros prêmios da Associação Paulista de Belas Artes nos Salões de Santos e de Piracicaba. No Rio de Janeiro, participou do Salão Nacional de Belas Artes, obtendo medalha de bronze. Finalmente, em 1979, já no fim de sua vida, recebeu a grande medalha de ouro no 1º Salão de Artes Plásticas de Poá (http://museuafrobrasil.org.br/pesquisa/indice-biografico/lista-de-biografias/2014/12/30/benedito-jose-de-andrade).
  • REQUINTADO PAR DE FAUTEUILS ESTILO LOUIS XV EM MADEIRA ENTALHADA E DOURADA EM OURO BRUNIDO. ESTOFADAS COM TECIDO ADAMASCADO. OS ENTALHES SÃO LIMPOS E DE MUITA QUALIDADE. SÃO BELISSIMAS! FRANÇA, SEC. XIX. 100 (H) X 63 (C) 54 (P) CM NOTA: O mobiliário Fauteuil teve origem na França durante o século XVII. Um fauteuil é uma poltrona cujos braços tem o quadro em madeira vazado, originário de França durante a primeira parte do século XVII. Os fauteuils são feitos em madeira, frequentemente entalhada para ornamentação. Sendo antepassados dos caquetoire, das cadeiras com braços ou dos faudesteuil renascentistas, foi apenas em 1636 que o termo fauteuil entra no vocabulário em França. Na corte, a escolha dos assentos seguia uma ordem hierárquica: o fauteuil era reservado para os convidados de prestígio, a cadeira ou tamborete reforçada aos príncipes reais e convidados, o tamborete e a cadeira dobrável às princesas, duques e pares do reino, a almofada colocada no chão aos membros menores da corte
  • PALACIANA ANFORA EM CRISTAL COM GUARNIÇÃO EM BRONZE ORMOLU ESTILO IMPÉRIO. DE MUITO GRANDE DIMENSÃO POSSUI ALÇAS LATERAIS COM FEITIO DE CARIÁTIDES. LAPIDAÇÃO EM SULCOS. MARCADA BACCARAT COM ASSIDADO. INICIO DO SEC. XX. 84 CM DE ALTURA
  • RICAS PEANHAS EM MADEIRA RECOBERTAS COM OURO BRUNIDO. BELOS ENTALHES COM ELEMENTOS FITOMORFOS SENDO FLORES E RAMAGENS. O PAR É MAGNÍFICO COM ENTALHES DE MUITO BOA QUALIDADE! 44 (H) X 51 (C) X 25 (P) CM
  • BACCARAT HARCOURT LINDA JARRA EM CRISTAL LAPIDADO MODELO HARCOURT, CRIADO EM 1841. FRANÇA, INICIO DO SEC. XX. 34 CM DE ALTURA
  • PRATA DE LEI INGLESA - LINDA CAIXA POUDRIÈRE EM PRATA DE LEI COM ESMALTES REPRESENTANDO DELICADOS CRAVOS. MARCAS PARA CIDADE DE BIRMINGHAM E LETRA DATA PARA O INICIO DO SEC. XX. INGLATERRA, 65 MM DE DIÂMETRO.
  • BACCARAT TALLEYRAND LINDA JARRA EM CRISTAL COM LAPIDAÇÃO FACETADA ESTILO ART DECO, MODELO TALLEYRAND. TALLEYRAND É UM PADRÃO CRIADO DURANTE O PERÍODO ART DÉCO - 1930, DERIVADO DE UM PADRÃO HARCOURT MUITO CONHECIDO QUE PERMANECE COMO O PADRÃO DE MAIOR PRESTÍGIO ATÉ AGORA. TAMBÉM A TALLEYRAND É MUITO APRECIADA. UMA JARRA ROBUSTA DE GRANDE CAPACIDADE E MUITO ELEGANTE! FRANÇA, DEC. 1930. 19 X 15 CM. IINFIMA E IMPERCEPTIVEL ESBEIÇADELA SUPERFICIAL NA BORDA PRÓXIMA DA ALÇA.
  • PRATA DE LEI VITORIANA - FORMIDAVEL TINTEIRO DUPLO EM PRATA DE LEI VITORIANA. MARCAS PARA CIDADE DE LONDRES E LETRA DATA PARA O ANO DE 1880. PRATEIRO BARNABAS BLACKBURN ESTABELECIDO EM 1877. ELEGANTE FEITIO COM CORPO LISO E EXTREMIDADES COM GODRONS. ESSE RARO TINTEIRO ERA DE USO DE CENTRO DE MESA, PARA SER PARTILHADO. TEM A CURIOSIDADE DE POSSUIR NO CENTRO ACOPLADO AO RECIPIENTE PARA SELOS E ESTAMPILHAS UMA DELICADA PALMATÓRIA DE ENCAIXE. DOIS FRASCOS EM CRISTAL PARA TINTA COM GUARNIÇÃO EM PRATA DE LEI. ESTÁ ASSENTE SOBRE QUATRO PÉS. INGLATERRA, 1880. 1325 G
  • BELO PAR DE CASTIÇAIS EM PRATA DE LEI ESTILO E ÉPOCA DONA MARIA I. MARCAS PARA CIDADE DO PORTO (P COROADO) E PRATEIRO HENRIQUE JOSÉ DOS SANTOS (MOITINHO PAG. 243) CITADO EM 1810 . TERÇO SUPERIOR DECORDO COM GOMADOS. INICIO DO FUSTE E BASE COM LARGO BARRADO DE FLORES E RAMAGENS RELEVADAS. PORTUGAL, SEC. XIX. 22 CM DE ALTURA
  • FORMIDÁVEL CRISTO CRUCIFICADO EM MADEIRA POLICROMADA COM CRAVAÇÃO DE RUBIS E DIAMANTE A GUIZA DE SANGUE. OS CRAVOS CRAVEJADOS COM RICOS TOPÁZIOS. OS CABELOS SÃO VAZADOS E DESCEM EM CACHOS SOBRE OS OMBROS. A COROA DE ESPINHOS EM PRATA É TAMBÉM CRAVEJADA COM RUBIS. A CRUZ É MAGNIFICAMENTE DECORADA EM PRATA DE LEI COM DETALHES EM ESMERALDAS, AMETISTAS (EM CABOCHON, QUADRADAS E EM GOTAS) E TOPAZIOS. O RESPLENDOR DA CRUZ É SURPREENDENTE, CONSTRÚIDO COMO UMA ENORME MANDALA FLORAL E VETALISTA VAZADA E CRAVEJADA COM AMETISTAS . O RESPLENDOR DO CRISTO É IGUALTEMENTE TRABALHADO A PERFEIÇÃO. A CRUZ É EM JACARANDÁ. AMÉRICA ESPANHOLA, SEC. XVIII. 77 CM DE ALTURA ( O CONJUNTO). SOMENTE O CRISTO (29 CM DE ALTURA).
  • CALABRONE, DOMENICO FORMAS BELA ESCULTURA EM BRONZE POLIDO. ASSINADA PELO ARTISTA. 26 X 24 X 9 CMNOTA: Domenico Serio Calabrone (Aieta, Itália 1928 - São Paulo SP 2000). Escultor, pintor, gravador, designer de jóias e cenógrafo. Entre 1948 e 1951, freqüentou as aulas do Liceu Clássico, em Roma, com especialização em técnicas de fundição, mosaico ecerâmica. Transfere-se em 1954 para São Paulo, onde, dois anos depois, realiza sua primeira mostra individual na Galeria Art's Store. Em 1963, expõe na 1ª Exposição do Jovem Desenho Nacional, em São Paulo. Em 1965, participa do 1º Salão Esso de Artistas Jovens, noMuseu de Arte Moderna de São Paulo(MAM/SP)e noMuseu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo(MAC/USP). Apresenta trabalhos no Panorama de Arte Atual Brasileira do MAM/SP, em 1975 e 1978. Em 1986, recebe o Prêmio Internacional da Escultura Contemporânea, em Cassano Jonio, Itália. Ainda na década de 1980, interessa-se pela arte fractal. Em 1990, recebe prêmio aquisição no Salão de Arte Contemporânea de Santo André, São Paulo; em 1991, é agraciado com sala especial no Salão Paulista de Arte Contemporânea e, em 1994, ganha o 41º Prêmio Internazionale di Pinttura Cittá di Pizzo, em seu país natal. Expõe em individuais noMuseu de Arte Moderna da Bahia (MAM/BA), em Salvador, em 1963; no MAM/RJ, em 1965 e 1966, e noMuseu de Arte Contemporânea José Pancetti(MACC/Campinas), em 1992 - esta sua última individual. Participa daBienal Internacional de São Paulode 1963 a 1991, do Salão Paulista de Arte Moderna entre 1962 e 1964 e do Salão Paulista de Arte Contemporânea em 1987. A partir da década de 1960, Domenico Calabrone parece buscar em sua escultura, expressão artística pela qual é mais conhecido, uma representação que unisse formas orgânicas e mecânicas, concebendo figuras meio homem meio máquina. Para tanto, procura um efeito de movimento semelhante, ainda que mais tímido, àquele produzido pelo escultor futurista italiano Umberto Boccioni (1882-1916) em trabalhos comoFormas Únicas na Continuidade do Espaço(1913). Este seria o caso da escultura de bronze,O Jornaleiro. O crítico de arte Mário Schenberg (1914-1990) nota a busca de Calabrone por essa síntese, entendendo suas obras desse período como "símbolos válidos da máquina-instrumento e da criatura robotizada". No decorrer dos anos 1970, Calabrone passa a produzir esculturas denominadas "totens", de pedra ou bronze - ou unindo os dois materiais -, algumas remetendo a peças pré-colombianas, todas de grandes dimensões, por vezes monumentais, e visando, provavelmente, a espaços públicos, como as que se encontram na praça da Sé e no parque Villa-Lobos, em São Paulo.Mais tarde, o artista interessa-se pela produção de esculturas geométricas, utilizando um programa de computador para o cálculo das dimensões. Calabrone abandona as formas orgânicas geometrizadas de anos passados para trabalhar, daí em diante, apenas com figuras geométricas sobrepostas ou empilhadas, geralmente de cores fortes em plexiglass, um plástico de aparência semelhante à do acrílico. Na década de 1990, produz pinturas com a influência das ideias da arte fractal (Enciclopédia Itaú Cultural).
  • CALABRONE, DOMENICO COMPOSIÇÃO BELA ESCULTURA EM BRONZE POLIDO. ASSINADA PELO ARTISTA. 30 X 29 CMNOTA: Domenico Serio Calabrone (Aieta, Itália 1928 - São Paulo SP 2000). Escultor, pintor, gravador, designer de jóias e cenógrafo. Entre 1948 e 1951, freqüentou as aulas do Liceu Clássico, em Roma, com especialização em técnicas de fundição, mosaico ecerâmica. Transfere-se em 1954 para São Paulo, onde, dois anos depois, realiza sua primeira mostra individual na Galeria Art's Store. Em 1963, expõe na 1ª Exposição do Jovem Desenho Nacional, em São Paulo. Em 1965, participa do 1º Salão Esso de Artistas Jovens, noMuseu de Arte Moderna de São Paulo(MAM/SP)e noMuseu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo(MAC/USP). Apresenta trabalhos no Panorama de Arte Atual Brasileira do MAM/SP, em 1975 e 1978. Em 1986, recebe o Prêmio Internacional da Escultura Contemporânea, em Cassano Jonio, Itália. Ainda na década de 1980, interessa-se pela arte fractal. Em 1990, recebe prêmio aquisição no Salão de Arte Contemporânea de Santo André, São Paulo; em 1991, é agraciado com sala especial no Salão Paulista de Arte Contemporânea e, em 1994, ganha o 41º Prêmio Internazionale di Pinttura Cittá di Pizzo, em seu país natal. Expõe em individuais noMuseu de Arte Moderna da Bahia (MAM/BA), em Salvador, em 1963; no MAM/RJ, em 1965 e 1966, e noMuseu de Arte Contemporânea José Pancetti(MACC/Campinas), em 1992 - esta sua última individual. Participa daBienal Internacional de São Paulode 1963 a 1991, do Salão Paulista de Arte Moderna entre 1962 e 1964 e do Salão Paulista de Arte Contemporânea em 1987. A partir da década de 1960, Domenico Calabrone parece buscar em sua escultura, expressão artística pela qual é mais conhecido, uma representação que unisse formas orgânicas e mecânicas, concebendo figuras meio homem meio máquina. Para tanto, procura um efeito de movimento semelhante, ainda que mais tímido, àquele produzido pelo escultor futurista italiano Umberto Boccioni (1882-1916) em trabalhos comoFormas Únicas na Continuidade do Espaço(1913). Este seria o caso da escultura de bronze,O Jornaleiro. O crítico de arte Mário Schenberg (1914-1990) nota a busca de Calabrone por essa síntese, entendendo suas obras desse período como "símbolos válidos da máquina-instrumento e da criatura robotizada". No decorrer dos anos 1970, Calabrone passa a produzir esculturas denominadas "totens", de pedra ou bronze - ou unindo os dois materiais -, algumas remetendo a peças pré-colombianas, todas de grandes dimensões, por vezes monumentais, e visando, provavelmente, a espaços públicos, como as que se encontram na praça da Sé e no parque Villa-Lobos, em São Paulo.Mais tarde, o artista interessa-se pela produção de esculturas geométricas, utilizando um programa de computador para o cálculo das dimensões. Calabrone abandona as formas orgânicas geometrizadas de anos passados para trabalhar, daí em diante, apenas com figuras geométricas sobrepostas ou empilhadas, geralmente de cores fortes em plexiglass, um plástico de aparência semelhante à do acrílico. Na década de 1990, produz pinturas com a influência das ideias da arte fractal (Enciclopédia Itaú Cultural).
  • BACCARAT MODELO SEVIGNE SUNTUOSO SERVIÇO DE CRISTAL DA MANUFATURA BACCARAT MODELO SEVIGNE. COM SELO DA MANUFATURA BACCARAT. AS TAÇAS ESTÃO IMPECÁVEIS SEM BICADOS. LAPIDAÇÃO COM GUIRLANDA VEGETALISTA ESTILO LOUIS XV. LISTADO NO CATALOGO DA BACCARAT COMO MODELO DE 1907. COMPOSTO POR 63 PEÇAS SENDO: 11 TAÇAS PARA VINHO TINTO, 12 TAÇAS PARA VINHO BRANCO, 12 TAÇAS PARA PORTO, 10 TAÇAS CORDIAL DRINK, 8 TAÇAS PARA LICOR, 9 TAÇAS DE CHAMPAGNE E UMA JARRA. FRANÇA, DEC. 40 20 CM DE ALTURA (JARRA) E 15 CM DE ALTURA (TAÇA DE VINHO TINTO)
  • PALACIANA MESA CONSOLE EM MADEIRA ENTALHADA E DOURADA ESTILO LOUIS XIV. TAMPO EM MÁRMORE RAJADO EM CINZA. DE GRANDIOSA DIMENSÃO ESTA PEÇA CERTAMENTE TERÁ GUARNECIDO UM PALÁCIO FRANCÊS DURANTE O PERÍODO DOS ANOS 1700. PERCEBEM-SE NESSA PRECIOSA PEÇA TODOS OS ELEMENTOS CARACTERISTICOS DA FORNITURE ESTILISITICA DO REINADO DE LUIZ XIV EM SUA SEGUNDA FASE, INAUGURADA COM A DECORAÇÃO DOS GRANDES NOVOS SALÕES DO PALÁCIO DE VERSALHES PROJETADOS POR LUIS LE VAU E DEPOIS POR JULES HARDOUIN-MANSART. AS CARACTERÍSTICAS DESSE ESTILO SÃO A RIQUEZA DE MATERIAIS, O PROFUSO OURO E O ESFORÇO PARA OBTER UM EFEITO MONUMENTAL. FOI NESSA ÉPOCA QUE SURGIU 0 GÊNERO DE MOBILIÁRIO DENOMINADO MESA CONSOLE, EXEMPLAR HORA EM PREGÃO. FRANÇA, PRIMEIRA METADE DO SEC. XVIII. 98 (H) X 190 (C) X 67 CM
  • COMPANHIA DAS INDIAS REINADO QIANLONG (1711-1799) - ESPETACULAR PAR DE VASOS COM TAMPAS EM PORCELANA COMPANHIA DAS INDIAS REINADO QIANLONG, COM ESMALTES DA FAMILIA ROSA E FUNDO EM MUITO RARO DARK GLAZE (ESMALTE PRETO). COMEÇO A DESCRIÇÃO PERGUNTANDO A VOCÊ LEITOR E COLECIONADOR DE COMPANHIA DAS INDIAS: QUANTAS PEÇAS COM FUNDO EM ESMALTE PRETO DE PORCELANA CIA DAS INDIAS DO SEC. XVIII VOCÊ JÁ VIU PESSOALMENTE? IMAGINO QUE POUCAS OU NENHUMA. ISSO ACONTECE PORQUE ESMALTES PRETOS E MARRONS FAZIAM PARTE DA DECORAÇÃO DA PORCELANA NO PERÍODO QIANLONG, MAS DE FORMA MUITO RARA, OS MARRONS CHAMADOS CHOCOLATE AINDA SÃO ENCONTRADOS EM PEQUENO NÚMERO, MAS OS PRETOS SÃO MUITISSIMO RAROS. ESSSE MAGNIFICO PAR DE ELEGANTE FORMATO É O PRIMEIRO QUE JÁ TIVE OPORTUNIDADE DE VER EM MAIS DE DUAS DÉCADAS DENTRO DO MERCADO DE ARTE. SÃO REALMENTE INCRÍVEIS E EM CONDIÇOES MAGNIFICAS DE CONSERVAÇÃO! AS TAMPAS TEM PEGA COM FEITIO DE CÃES DE FÓ, AS ALÇAS LATERAIS SÃO COM FORMATO DE SALAMANDRAS. PEGA E ALÇAS SÃO REVESTIDAS EM OURO. O CORPO DE REFINADO FEITIO TEM PREDOMÍNIO DO DARK GLAZE QUE REALÇA DE FORMA SURPRENDENTE AS EXUBERANTES RESERVAS FLORAIS. AS RESERVAS SÃO REMATADAS EM OURO, E AS PRINCIPAIS NA FRENTE E NA PARTE POSTERIOR SÃO CONSTITUÍDAS POR MOLDURAS FORMADAS POR PLANTAS DE BAMBÚ REALÇADAS EM OURO. EXISTEM TAMBÉM ELEMENTOS DECORATIVOS EM ROUGE DE FEUR DISPOSTOS EM DELICADAS GUIRLANDAS. O FEITIO DOS VASOS É ACHATADO COM LÓBULOS LATERAIS. A TAMPA DE FEITIO LOBADO REPRODUZ A FORMA DOS VASOS. POR TUDO ISSO, TEMOS AQUI TALVEZ O MAIS IMPORTANTE PAR DE VASOS DO PERÍODO QIANLONG JÁ APRESENTADOS EM NOSSOS LEILÕES. CHINA, SEC. XVIII. 36,5 CM DE ALTURA
  • REINADO QIANLONG IMPORTANTE PAR DE ESCULTURAS EM PORCELANA COM ESMALTES PREDOMINANTEMENTE AMARELOS REPRESENTANDO FIGURAS DE PATOS. COM MUITO BOA QUALIDADE, OS ANIMAIS TEM OS BICOS ENTREABERTOS E SE PODE VER SUAS LÍNGUAS. MAGNÍFICAS! CHINA, JIANGXI, JINGDEZHEN, DINASTIA QING, PERÍODO QIANLONG, 2ª METADE DO SÉCULO 18. 22 CM DE COMPRIMENTO.

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